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Detrás de «Oops!… I Did It Again» de Britney Spears

El Solitario de Sayán — Sun, 19 Apr 2020 07:00:00 +0000

Este año se han cumplido 20 años desde que el tema Oops!… I Did It Again de Britney Spears fue lanzado. Para los que recordamos a esta icónica canción parece que fue ayer cuando bailábamos y escuchábamos este tema a todo volumen.

El pasado 27 de marzo, la propia Britney Spears escribía en su cuenta de Instagram «Oops… ¿Cómo han pasado 20 años tan rápido?»

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Oops!….how did 20 years go by so fast 😅😅🙄 ?!??! I can’t believe it. I remember that red suit was so freaking hot …. but the dance was fun 💃🏼 and it made the shoot fly by !!!!! And now we’re sitting in quarantine wishing we were on Mars 😜 ….. of course I am just kidding !!!!! But seriously you have all shown so much support for this song and I thank you for it …. sending love to you all ❤️❤️❤️❤️ !!!!!

A post shared by Britney Spears (@britneyspears) on Mar 27, 2020 at 4:01pm PDT

El tiempo ha pasado, pero este tema, como otros tantos de Britney, aún siguen muy presentes en nuestra mente.

Este tema siguió detrás de Baby One More Time, sin duda el hit que lanzaría la carrera de la artista por todo lo alto. Con tan solo 16 años, Britney Spears se convirtió en un icono del pop, mereciendo el nombre de «La Princesa del Pop».

Britney Spears surgió del mundo Disney como otros artistas; y queriendo dejar atrás el aspecto de «niña inocente» y transformarse en una mujer, Oops!… I Did It Again fue la pieza clave para que el mundo viera a una Britney Spears convertida en toda una mujer.

Del mismo modo, el vestuario que lucía la artista lo confirmaba (un mono rojo de látex). Asimismo, en la letra de la canción se podía oír la frase “I’m not that innocent” («no soy así de inocente»), por si quedaba alguna duda.

En aquel entonces ella ya tenía 19 años.

¿De quién fue la idea del videoclip y el vestuario?

Nigel Dicks, el director del videoclip, comentó a MTV News en el 2009 que la idea de que vídeo tuviera un escenario futurista, con ambientación en Marte, donde apareciera un astronauta y con la aparición de ella luciendo un mono de color rojo, fue concepto de la propia Britney.

Sin embargo, aquel mono estaba pensado que fuera de tela, así había sido hecho y estaba listo para ser utilizado. Pero Britney Spears quería algo más sexy y no quiso usarlo, siendo ella misma la que había contratado a otro diseñador.

El nuevo diseñador había trabajado con Michael Jackson. Se trataba de Michael Bush, quien se encargó de diseñar el mono rojo de látex que quería usar la artista.

En el making off de Oops!… I Did It Again se puede ver cuando la artista le pide a Michael Bush que quiere un look parecido al de Elizabeth Hurley en Austin Powers.

La estilista del videoclip, Estee Stanley, comentó que el traje rojo de látex la preocupaba, ya que sabía lo mucho que Britney iba a bailar y ese material retiene el sudor. Recordaba que después de la primera toma, al bajar la cremallera, salía de él un cubo de agua.

La estilista también comentó que otro de los trabajo difíciles que el equipo tuvo que afrontar fue el de mantener fresca a Britney, puesto que sentía mucho calor al bailar a causa del material de látex que se utilizó para el mono.

Asimismo, Estee declara que querían hacer un videoclip que los hiciera sentir en una era del espacio, y no querían que el vídeo se saliera de control mostrando algo sexual. Esto se pudo controlar al poner una pernera más ancha y el cuello más alto.

Britney acompañó este mono con unas zapatillas negras, las cuales eran de su propiedad. Se tenía pensado que usara unas botas rojas, pero después de la primera toma le resultaban muy incómodas por lo que decidió no usarlas.

¿Y el conjunto blanco?

Durante el vídeo se le ve a la artista utilizando otro traje aparte del mono rojo: un top blanco con cuello alto y una falda asimétrica.

Este look se cambió en último minuto. Al principio estaba previsto que Britney llevara una prenda al que el propio Nigel Dicks describió como un «traje barato de bailarina de Las Vegas».

Sin embargo, decidieron no llevarlo a cabo debido a que no había pasado mucho desde que Britney Spears posara para la revista Rolling Stone, aún siendo menor de edad, donde lucía de una forma no apta para su edad.

Además de ello, la revista Rolling Stone escribía en sus páginas donde invitaba a sus lectores a profundizar en «el corazón, la mente y la habitación» de la estrella del Pop.

A pesar que cuando se rodó este videoclip Britney ya era mayor de edad, el escándalo aún era muy reciente, por lo que los productores decidieron optar por otro traje, quedando seleccionado el antes mencionado.

El último look que la artista luce es una mini falda negra y una chaqueta blanca combinada con unas botas negras. Un look sexy pero más sutil.

Luciendo este look se hace también una referencia a la película Titanic. En el videoclip vemos al joven astronauta regalándole a Britney el Corazón del Mar (el famoso diamante de la película), exclamando frases alusivas al momento en que la anciana arrojó el diamante al océano.

Y así es como Oops!… I Did It Again pasó a ser uno de los vídeos con más reproducciones de MTV; y hoy en día el outfit rojo pasó a convertirse en un vestuario representativo del Pop y se conserva en exhibición en Las Vegas.

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Simple Plan, la banda de rock que sigue vigente en el mundo musical

El Solitario de Sayán — Wed, 11 Mar 2020 08:00:10 +0000

Simple Plan, una banda de rock franco-canadiense, creada en 1999, hoy, aún se mantiene en pie en el mundo musical. Los géneros musicales de esta banda son el pop punk, rock alternativo y el pop rock.

A pesar de que los años han transcurrido (más de 20 años), la vigencia de esta banda se hace notar dando conciertos en muchas partes del mundo. Al parecer, sus fans siguen siendo fieles seguidores.

En los años 2000 aparecieron muchas bandas de este género, que lamentablemente hoy ya no están presentes. De estas, solo nos queda escuchar sus éxitos y recordarlos con nostalgia.

¿Decadencia del rock?

Se dice que este género musical va perdiendo cada vez más seguidores, y que cada vez va cayendo en una agonía a medida que los años van pasando.

La ausencia del género rock se hace notar en los rankings musicales, donde cada vez se nota más su falta.

En 2017, The Washinton Post, tituló un artículo como “La lenta muerte de la guitarra eléctrica”. Ello debido a que cada vez se vende menos este tipo de guitarras. Incluso empresas dedicas a fabricar este instrumento musical se han visto afectadas por la baja demanda, tales como Fender y Gibson.

Atrás quedaron los tiempos en que el Rock era el género musical por excelencia; donde se ofrecían giras rockeras alrededor del mundo, causando furor en sus fans y llenando todos los conciertos que se ofrecían.

Desde la aparición del rock & roll en los años 50, el rock gozó de fama y popularidad. Así, a medida que los años iban pasando, este género musical se reinventaba de tal manera que iban surgiendo nuevos estilos, como el rock psicodélico, el heavy metal, hard rock, punk rock, y rock alternativo, entre otros tantos.

El rock también fue un referente de los movimientos sociales y culturales, llevando a la creación de subculturas como los mods y los rockers en Reino Unido.

El éxito de Simple Plan

Ha habido bandas de rock que han sabido mantenerse en el mundo musical actual a pesar del pasar de los años. Y hablamos concretamente del caso de Simple Plan, cuya vigencia continúa en el mercado de la industria de la música desde su creación en 1999.

Sus integrantes son Pierre Bouvier (vocalista), Jeff Stinco (guitarra principal) Sébastien Lefebvre (guitarra rítmica), Chuck Comeau (batería y percusión) y David Desrosiers (bajo), siendo este el último en unirse a la banda en el año 2000.

En la actualidad, la banda sigue conservando los mismos integrantes. Y ellos mismos han admitido tener una muy buena relación, afirmando lo siguiente: “nos divertimos mucho los cinco y somos muy amigos, tanto que nos vamos de vacaciones juntos”. Tal vez esto explica porqué aún se mantiene vigente, incluso dentro de un género musical que cada año va perdiendo más fuerza.

Sin embargo, en agosto del 2017, el bajista David Desrosiers anunció que se retiraba del escenario debido a un problema de depresión que sufría, por lo que no asistió a las giras que Simple Plan estaba dando en aquella época en Canadá y Estados Unidos.

David Desorosiers anunció lo siguiente:

“He intentado dar lo mejor de mí, me he esforzado mucho, pero realmente creo que no puedo hacerlo. No hay nada que desee más que estar listo para nuestra próxima gira canadiense y estadounidense.

Desafortunadamente, hay cosas que no puedo controlar y lamentablemente tengo que perderme nuestros próximos shows de agosto y septiembre.

Incluso si empiezo a sentirme mejor, por respeto a ustedes y a mi banda, siento que no debería estar sobre el escenario, si no soy capaz de dar mi mejor actuación…”

Esto es parte de lo que aún se puede leer en su perfil de Instagram.

Hoy, en la actualidad, en los últimos shows que Simple Plan ha ofrecido, se puede notar que el bajista David Desorosiers está de vuelta para felicidad de sus fans.

Álbumes:

Desde la formación de Simple Plan en 1999, a la banda solo le ha hecho falta lanzar 5 álbumes.

No Pads, No Helmets… Just Balls (2002), del cual se desprenden canciones como I’m Just A Kid, Perfect, Addidicted,… entre otros temas.

Still Not Getting Any… (2004) Con canciones como: Shut Up, Welcome To My Life, Crazy, entre otros éxitos.

Simple Plan (2008). Álbum homónimo donde se desprenden los siguientes temas tales como When I’m Gone, Take My Hand, Your Love Is A Lie.

Get Your Heart On! (2011) Con este disco, Simple Plan pisó escenarios en países latinoamericanos. Desde México, donde se presentaron en cinco ciudades, llegando a Sudamérica, donde pisaron escenarios en Brasil, Ecuador, Perú, Argentina, Colombia y Chile, donde se pudo ver la gran acogida que esta banda tiene también en estos países.

De este álbum de 2011 se desprenden canciones como Astronaut, This Song Saved My Life, Jet Lag (junto a Natasha Bedingfield), Summer Paradise (junto a Sean Paul), siendo este tema un hit que sonó en muchos bares, discotecas y hogares del mundo.

La canción Summer Paradise acumula más de 100 millones de visualizaciones en YouTube.

Por último, tenemos el disco Taking One For The Team (2016). De este álbum se desprenden canciones como Perfectly Perfect, Kiss Me like Nobody’s Watching, I Don’t Wanna Go To Bed, entre otros éxitos.

Diversos artistas y la revista Alternative Press declararon que este álbum era justo lo que el pop-punk necesitaba. En ese mismo año realizaron una gira por Europa, siendo tan exitosa como todas las anteriores.

También han lanzado dos versiones de sus discos grabados en plenos conciertos, los cuales han sido muy comercializados:

Live in Japan 2002 (2003)
MTV Hard Rock Live (2005)

Además de ello, también lanzaron en 2013 un EP titulado Get Your Heart On – The Second Coming!

Simple Plan y su labor social

La banda no solo se dedica a hacer música, también están muy vinculados con cuestiones sociales altruistas.

En 2005, la banda creó una fundación: “The Simple Plan Foundation”. En el sitio web oficial de la banda se pueden leer los objetivos de su fundación. Principalmente ayudan a los jóvenes necesitados, contribuyendo en los siguientes campos:

Colaborar con varios grupos y organizaciones a trabajar con jóvenes para enfrentar problemas típicos de la adolescencia, tales como: drogas, depresión, bullying, fracaso escolar, suicidio, pobreza y aquellos jóvenes afectados por la guerra.

Apoyar a varias organizaciones sociales y médicas dedicadas a ayudar a niños y jóvenes enfermos y discapacitados.

Promover la formación musical en las escuelas como una forma de ayudar a los jóvenes a desarrollar una pasión y encontrar un propósito en la vida.

Hay otras causas benéficas en las que la banda ha apoyado y ha venido involucrándose.

En el mismo sitio web puedes saber más cosas de esta fundación, como por ejemplo saber cómo funciona, o cómo puedes ayudar a la fundación. Y también puedes hacer una donación.

Tours de Simple Plan para este año 2020

De momento, la banda ha realizado presentaciones en Reino Unido. Y en su sitio web oficial se pueden ver los conciertos que tendrán en los meses posteriores, la mayoría de ellos en los Estados Unidos y Canadá.

También se puede apreciar un nuevo single titulado Where I Belong, en colaboración con la banda We the Kings.

Esperemos que Simple Plan se siga manteniendo vigente por mucho más tiempo.

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Elton John se disculpa por perder la voz en su concierto

El Príncipe Perdido — Mon, 17 Feb 2020 18:15:38 +0000

Un acto digno de humildad. Elton John, gran conocido cantante y compositor británico, pidió disculpas a sus fans el pasado domingo por la noche en Auckland, tras un imprevisto que le provocó perder la voz en mitad de su concierto.

Ya había avisado a todos los presentes al inicio del concierto de que se encontraba con una neumonía que le estaba afectando la voz.

John tocó y cantó todo lo que pudo, con mucho ímpetu como es habitual en todas sus funciones, hasta que su voz dijo basta.

Se sintió molesto y decepcionado él mismo, tanto que rompió a llorar en el escenario tras ser insuficiente incluso la atención médica que recibió.

Tras abandonar muy a su pesar el Mt Smart Stadium de Auckland, en Nueva Zelanda, se dirigió una vez más a todos sus seguidores a través de su cuenta de Instagram; agradeció el apoyo a todos los presentes en el concierto y se disculpó, confesando también que le acababan de diagnosticar una neumonía errante.

Una larga carrera musical de éxito

Elton John ganó un Oscar en la última gala de los Premios de la Academia por Mejor Canción Original de película por el film Rocketman.

A sólo un mes de cumplir sus 73 años, el cantante tiene una trayectoria de éxitos impecable, con más de 30 álbumes a sus espaldas, y colaboraciones en canciones de bandas sonoras de películas como El Rey León.

Nadie le pone pegas a tan legendario músico, que ha compartido escenario en el pasado con numerosos artistas como Eminem, sorprendiendo y generando un interminable aplauso de todo el público.

Elton John no se rinde tan fácilmente

Y de buena noticia, los médicos estiman que John se recuperará antes de sus próximos compromisos en Auckland, dos shows para esta misma semana.

Por tanto, su gira John Brick’s Farewell Yellow Brick Road podría continuar con un Elton John invencible.

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La música como terapia

El Príncipe Perdido — Mon, 13 Jan 2020 19:31:23 +0000

¿Te interesa saber cómo implementar la música como terapia? Nuestros estados de ánimo suelen ser muy cambiantes, podemos en un momento estar de buen humor y al rato sentirnos decaídos. Por supuesto, como todo, este tipo de procesos varían según la personalidad de cada quién.

Para esos días difíciles, la música se puede convertir en un mecanismo que nos ayude a mantenernos en buen pie. El presente artículo trata sobre la música como terapia; digamos, en una terapia dirigida a los estados de ánimo.

Si deseas saber más sobre este tema, te invitamos a leer todo el contenido.

La música como terapia

Instrumentos

Para las personas que tocan algún instrumento musical, la música representa una parte importante de su vida, sobre todo para quienes hacen de la música su carrera profesional.

Entre el músico y el instrumento se va creando una afinidad a medida que lo usa. En ese tránsito, la persona experimenta múltiples sensaciones que ayudan a estimular los «químicos de la felicidad» en su cerebro.

Música y baile

Hablando de motivación, la música ejerce sobre las personas gran parte de este sentimiento, genera cambios positivos en el ser. En este caso el baile le adiciona algo más al hecho de escuchar música.

Además de esto, cuando bailamos nuestro cuerpo libera estrés y quemamos calorías, lo que nos hace sentir renovados. La música es imprescindible para el baile, ya sea latina o electrónica.

Inclusive los gimnasios hacen uso de la música para que los que asisten a entrenar se sientan motivados. En general, se opta por música de géneros adecuados para el propósito.

La música en la televisión

En el ámbito del cine o series de televisión, los fragmentos musicales que escuchamos nos ayudan a conectar emociones con la trama de la historia. Cada una de las canciones que suenan son ideadas para tales fines.

Así, cuando se trata de películas trágicas, es la música el gran complemento para que se nos escapen unas cuantas lágrimas. Lo mismo sucede con las películas de acción o de suspenso, la música nos sumerge en las escenas, hacemos terapia cuando nos mantenemos presente y concentrados en algo.

Más música

La música sin duda nos lleva a mantenernos conectados con el ahora. Por supuesto, existen terapias profesionales enfocadas en la música y en diferentes casos, como la ansiedad, el miedo, o la autoestima.

Pero, en general, la música como terapia es algo que puedes poner en práctica desde casa y con tus géneros favoritos, como por ejemplo escuchando a tus estrellas musicales preferidas.

¿Tienes algo que aportar sobre este tema? Déjanos tu comentario al final de este artículo.

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Sabrina Carpenter, de Disney a la música

El Príncipe Perdido — Mon, 30 Dec 2019 13:46:30 +0000

A lo largo de los años, hemos visto cómo Disney ha lanzado al estrellato a muchos jóvenes mediante sus series de televisión juveniles, tanto así que ya el público está atento a que en cada una habrá una nueva promesa para la música.

Si eres fanático de las series de Disney Channel, es probable que conozcas un poco el trabajo de Sabrina Carpenter, quien se dio a conocer con la serie Girls Meets World interpretando a Maya Hart.

Aunque la serie no tuvo una vasta cantidad de temporadas, a diferencia de series pasadas como Hanna Montana; Sabrina Carpenter acumuló una gran cantidad de seguidores debido a su carisma frente a las cámaras.

El papel de Sabrina en esta serie le permitió la apertura de otras puertas, entre ellas la música, algo que como artista tenía años desarrollando, y es el trabajo que ahora hemos visto con mayor frecuencia.

Y no hay duda que esta prometedora estrella femenina tendrá futuros proyectos en la televisión. Se rumorea que habrá una nueva serie de televisión en la que Sabrina podría participar. A todas estas, habrá que esperar, ya que ella admite que su enfoque actual es la música.

Sabrina en la película Una aventura de niñeras

En la película Adventures in Babysitting (conocida como Una aventura de niñeras en Hispanoamérica y Canguros en apuros en España), original de Disney Channel, Sabrina interpreta a Jenny, una chica perfeccionista que aspira abrirse camino en distintas áreas antes de ir a la universidad. En el camino se topa con lola (Sofía Carson), y a partir de allí se desata la rivalidad entre ambas.

La película se estrenó en 2016, tuvo una gran recepción entre publico amante de la comedia-aventura. Así que, si aún no has tenido la oportunidad de verla, te sugerimos que disfrutes de esta película.

Canciones

Entre sus éxitos figuran las siguientes canciones:

Take On The World (2014)
Eyes Wide Open (2015)
Thumbs (2016)
Smoke And Fire (2016)
Why (2017)
Almost Love (2018)
I Can’t, Stop Me (2019)

Entre otras canciones… te invitamos a que escuches cada una y tengas el playlist completo de Sabrina Carpenter en tus dispositivos.

Esta actriz de 20 años promete mucho, tanto para el mundo de la música como para la actuación.

Cuéntanos qué más temas sabes relacionados con Sabrina Carpenter.

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¿Qué es la Música Latinoamericana?

El Solitario de Sayán — Thu, 07 Nov 2019 19:10:27 +0000

En este artículo veremos qué es la música latinoamericana, un género que hoy es ampliamente conocido a nivel mundial y que se ha vuelto un boom. Probablemente no haya nadie del exterior que no haya escuchado algún hit proveniente de América Latina.

La música en los pueblos del continente americano siempre estuvo presente desde antes que los exploradores llegaran a este territorio; tanto desde el norte como hasta el sur del continente.

Con la conquista española hacia estas regiones, partiendo desde lo que hoy es México, gran parte del Caribe hasta Chile se abrió paso a una nueva cultura, la llamada cultura latinoamericana.

No solo aprendimos una sola lengua. Entre otras cosas, también aprendimos danzas, las cuales se mezclaron con el folklore de los pueblos autóctonos, introduciendo nuevos instrumentos musicales que se emplearon en los diferentes géneros musicales latinoamericanos, los cuales surgieron a raíz de la mezcla de tantas culturas, siendo las que más influyeron la española y la africana.

Asimismo, se abrió paso a que cada país fuera teniendo su propia identidad cultural. Casi la mitad del continente estaba unido por un solo idioma y muchas más semejanzas (música, danza, cocina y hasta religión).

Sin embargo, a pesar de todas estas similitudes, todos estos pueblos marcaron sus diferencias entre unos y otros, empezando por el idioma; ya que si bien este era el español, en cada región se hablaba diferente, por lo que nacieron los acentos, distintivos en la música hasta hoy día.

Así como el idioma cambió según el país donde se hablara, también la cultura cambió. Todos los países se diferenciaron por tener sus propias costumbres, que los hizo únicos y diferentes entre sí, pero al mismo tiempo unidos por un mismo pasado.

A raíz de todo este devenir de costumbres diferenciadas es que estos países poseen su propia música, su propia identidad.

Por eso, hablar de música latinoamericana es más que englobar un solo género; es adentrarse a un mundo lleno de ritmos distintos.

La música de Latinoamérica es muy variada y diferente aun teniendo los mismos ritmos, ritmos que han logrado sobrepasar su popularidad nacional haciendo que se escuchen en muchos países, en todo el continente americano o logrando incluso llegar a otros continentes.

Algunos ritmos musicales han adoptado su propia versión de acuerdo al país donde se produzca.

Ritmos populares en Latinoamérica:

La cumbia

La cumbia es un género que nació en Colombia. María del Pilar Jiménez González, experta en Música Colombiana, dice que este género nació en el siglo XVIII y proviene de la palabra africana «cumbé», que significa «jolgorio».

La cumbia nace a partir de la fusión de tres culturas: la africana, la indígena y la española. Y adopta instrumentos musicales tales como las gaitas, las maracas y los tambores.

A partir de los años 40 es cuando la cumbia se convierte un género bastante popular en Latinoamérica, tomando diferentes rasgos en cada país debido a la fusión con géneros propios de cada región.

Y así fue diferenciándose en cada país, pero manteniendo siempre el estilo alegre y bailable que la caracteriza.

Cumbia peruana

En Perú, la cumbia se popularizó en los años 60, teniendo como referente la cumbia colombiana, pero mezclándose con géneros nativos peruanos como el huayno.

A partir de aquí, en dicho país surgirían mezclas con otros géneros como el rock o la guaracha cubana, entre otros.

Y así, en la década de los 80, en Perú, la cumbia se convirtió en un género musical muy popular, llegando a tomar otro nombre: música chicha, la cual tuvo la figura de Chacalón, quien es considerado como el máximo referente de este género musical.

En años posteriores nació la tecnocumbia en el país, que nació partir de la cumbia mexicana y fusionándose con géneros de músicas latinoamericanas peruanas, teniendo como máxima exponente a Rosy War, quien alcanzó fama internacional.

Después de esto, la cumbia en Perú sufrió distintas variaciones, llegando a ser hoy en día distinta a la que se conoció en años anteriores.

Cumbia mexicana

En México este género musical aparece a partir de otros géneros cubanos como el mambo o la rumba, que en ese entonces eran muy populares.

Pero quien introdujo este género fue Luis Carlos Meyer, un cantante colombiano que emigró a México donde conoció a Rafael de Paz y a Tony Comargo. Estos eran intérpretes de música cubana.

Los tres músicos empezaron a grabar distintos géneros musicales, entre ellos la cumbia, donde utilizaron instrumentos musicales como las trompetas, propias de la música cubana.

Y es así como nace la cumbia mexicana como género de música latinoamericana.

En resumen, así fue cómo este género musical se popularizó cada vez más en distintos países de Latinoamérica, abarcando también el Caribe.

Hoy en día, muchos países han adoptado este ritmo haciéndolo propio de su región.

Y como resultado, hoy tenemos la cumbia argentina, boliviana, chilena, dominicana, ecuatoriana, mexicana, peruana, salvadoreña, uruguaya y la cumbia venezolana, entre otras.

La salsa

Aunque el origen de la salsa como baile no está en Latinoamérica, es un ritmo que nació a partir de ritmos afro-caribeños y que tuvo la influencia del son cubano.

Este ritmo musical nació en Nueva York, de la mano de jóvenes de origen latinoamericano, entre los cuales se encontraban Héctor Lavoe y Willy Colón.

A partir de 1970, la salsa empezó su expansión hacia muchos países y mezclándose con nuevos estilos.

En América Latina este ritmo se volvió muy popular debido a que su ritmo se asemejaba a varios otros ritmos ya existentes, lo cual tuvo una gran acogida.

Hoy en día hay países donde se celebran festivales de salsa. Además, nacieron muchos grupos y cantantes de salsa que hoy en día son muy populares.

En Colombia, por ejemplo, se celebran tres festivales de salsa: en Cali, Bogotá y Barranquilla. Y de este país han nacido agrupaciones muy famosas como el grupo Niche.

En Perú, en la provincia constitucional del Callao es donde más ha destacado este género. Tienen un festival de salsa llamado Chim Pum Callao.

En definitiva, la salsa es un ritmo de música latinoamericana que ha logrado conquistar hasta a Japón, donde se celebra un festival en Fukuoka.

El merengue

Otro ritmo bailable muy popular en toda Latinoamérica. Tuvo su origen a finales del siglo XIX en República Dominicana.

Utiliza instrumentos como la tambora, la güira, el acordeón y la guitarra. Este ritmo también es famoso en España.

En sus inicios, este baile fue asociado a las personas del campo y las regiones rurales. Las personas de la alta sociedad rechazaban este baile diciendo que era un ritmo grosero. Hoy en día este género de música latinoamericana es el baile nacional de la República Dominicana.

El bolero

Un ritmo no tan alegre como los anteriores, es un ritmo más de salón.

El bolero nació en Cuba y desde ahí se extendió a gran parte de Latinoamérica, siendo hoy muy popular.

Tiene su origen en 1840 de la mano de José «Pepe» Sánchez.

Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México desempeñó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano.

Se hizo muy popular en todos los países hispanoamericanos, especialmente en México, Puerto Rico, Colombia, Ecuador, Perú, Panamá, República Dominicana, Costa Rica, Chile y Venezuela.

Otros géneros de música latina

Además de estos géneros de música latina, existen otros que, aunque no se escuchen ni bailen de manera habitual en todo o gran parte del continente, sí son populares en sus países de origen.

Solo por mencionar algunos, un ejemplo de estos ritmos son: la marinera en Perú, la zamacueca en Chile, la ranchera en México, o el famoso tango, un baile en pareja de origen rioplatense, muy popularizado en Argentina y Uruguay.

Ritmos no autóctonos pero con toque latinoamericano

Los ritmos que no nacieron en Latinoamérica pero que conquistó esta gran parte del continente, fueron el pop y el rock.

La música pop tiene origen en EE.UU y Reino Unido, a finales de los años 50 y por esa misma época también nacería el rock.

Estos dos ritmos conquistaron Latinoamérica, y como resultado nació el pop y rock latinoamericano, cuyos artistas tuvieron un gran apogeo con este género entre finales del siglo XX e inicios del siglo XXI

Artistas como Paulina Rubio, con temas como Ni una sola palabra, Lo haré por ti, Todo mi amor, etc; Thalía con Mujer Latina, Arrasando, Tú y yo, entre otros; Chayanne con temas como Torero, Salomé, Provócame o Boom boom, por mencionar algunos.

Así como el pop, el rock latinoamericano también tuvo su gran apogeo en toda Latinoamérica, con bandas muy conocidas como Soda Stereo o La Ley entre otros.

La decadencia de la precedente Música Latinoamericana

Reguetón

Es un género que derivó del reggae en español y que tuvo la influencia del hip-hop. Se originó en 1990 en Puerto Rico.

Hoy en día este género musical goza de mucha popularidad, no solo en Latinoamérica y el Caribe, sino también ha conquistado países de habla no hispana, que incluso han ido mezclando sus propios estilo a raíz de este.

Este ritmo urbano es muy querido por muchos, y para desgracia de otros, el reguetón no debería existir, puesto que consideran que es el peor género musical de los últimos tiempos.

El reguetón ha ido opacando internacionalmente a la música latinoamericana que lo precede, antes más conocida.

¿Qué está mal con este género musical?

Lo que convierte al reguetón en un tema controvertido, es quizá el hecho de que sus «artistas», a oídos de muchos, dejan mucho que desear. No saben entonar una sola nota y sus letras no tienen profundidad, y sin embargo venden millones de discos.

En sus letras, básicamente, solo expresan deseo sexual, y lo combinan todo con un baile que ha pasado el límite de la sensualidad.

Lo absurdo llega cuando, en países de habla no hispana, hablan de música latinoamericana refiriéndose sólo a este género, sin siquiera conocer los anteriormente comentados en este artículo. Y cuando se organizan «fiestas latinas», toda la noche se oirá reguetón.

Tal parece que este género ha opacado a todos los géneros musicales mencionados arriba. Si en épocas pasadas la salsa ocupaba un lugar privilegiado en cuanto a ritmos latinoamericanos, aquello ha ido desapareciendo, y hoy en día, al parecer, nadie más la recuerda.

Sumado a todo esto, están los artistas latinoamericanos que han cambiado su estilo musical para «subirse al tren», y se han atrevido a cantar este género porque de otra manera no «sobrevivirían».

Hoy en día, vender una imagen de sensualidad extrema es éxito garantizado, porque sabemos de sobra que a la Industria Musical la mueve una sola palabra y, por desgracia, esa es el sexo.

Muchos no estarán de acuerdo; dirán que es una forma de expresión y que vivimos en un mundo donde esa palabra ya no es un tabú, lo cual es totalmente cierto.

Pero ese no es el punto.

Sexualizar heteropatriarcalmente el mundo no nos hace libres, nos hace menos tolerantes.

Lo que se cuestiona es que, si tenemos esa libertad para expresarnos, porqué seguimos comportándonos como seres irracionales donde no podemos controlar nuestros impulsos, y por esa palabra dejamos ver lo más bajo de nosotros.

Aparte, quizá nos escudemos en que este género va orientado solo a los adultos. Pero esto no es del todo cierto, ya que la radio está ahí, sonando a oídos de todos, e incluso de niños.

He oído a niños cantando estas canciones donde, claramente, la letra no era tema para un niño ni para una niña.

Para mí, lo cuestionable de este género no es su ritmo, sino lo que hay detrás de ello, sus letras y la forma en la que te lo venden. La mayoría de sus artistas parecen mafiosos que se mueven entre la droga y la prostitución, haciéndote ver que tienen a las mujeres que les plazca, además de tratarlas como un objeto sexual.

Y eso también tira por la borda todo el arduo trabajo de la liberación femenina a lo largo de la historia.

Es una lástima que a este género se le haya dado tanta prioridad, imponiéndose con mucha fuerza no solo en Latinoamérica.

Además de opacar nuestra diversidad musical, hace que todos seamos considerados como «lo mismo», cuando por historia sabemos que Latinoamérica es un pueblo muy rico en cultura musical, y que un solo género no nos representa en lo absoluto.

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Los disc-jockeys más populares del mundo

El Príncipe Perdido — Sun, 22 Sep 2019 18:55:13 +0000

¿Conoces a los disc jockeys más populares del mundo? Si hablamos de música, hoy en día vemos cómo el contexto le ha dado forma al nacimiento de nuevos conceptos musicales.

Entre esto, se encuentra la fusión entre un género y otro. Por otro lado, los artistas musicales, siguen en la búsqueda de generar piezas que atraigan o una mayor cantidad de público.

A todas estas, una de las figuras que también ha experimentado esta evolución es el DJ (o DeeJay), y por eso en este caso hablaremos de los disc-jockeys, quienes cumplen además otras funciones adicionales.

¿Qué significa ser un DJ?

Ser un disc-jockey, consistía antiguamente en operar una serie de discos de música para cambiar de una canción a otra haciendo que la música no se detuviera durante horas, así se mantenía el evento o la fiesta con vida, sin momentos de silencio.

Además, el disc jockey debía conocer los gustos más populares del público e intentar acertar en reproducir las canciones que más gustaran.

Con el tiempo, estos DJs empezaron a remezclar canciones o a modificarlas para que la transición del cambio entre una canción y otra fuera lo más imperceptible posible. Así, comenzaron también a crear sus propias canciones.

Con el fin de producir música electrónica, que es el género más habitual de las discotecas, también se implicaron en la composición y producción musical.

Como dato curioso, la primera mesa de mezcla surge en Gran Bretaña, la que al principio sólo contenía un amplificador, un micrófono, dos platos para reproducir dos discos, y altavoces.

A mediados de los 50, se comienzan a introducir dos giradiscos, una técnica que le imprimió novedad al concepto.

Con todos estos cambios, el concepto de DJ ha adquirido importancia en la Industria Musical, actualmente superada por la industria de los videojuegos en el sector del ocio.

Por ejemplo, cada año se celebra el Ámsterdam Dance Event, el cual le da la bienvenida a una gran cantidad de disc-jockeys. Es uno de los eventos más prestigiosos para la música electrónica.

Los cinco disc-jockeys más populares

El neerlandés Martin Garrix es uno de los disc-jockeys más jóvenes, y que ha obtenido la posición número 1 en esta breve lista nuestra. Sin embargo, hay otros que seguro también conoces.

Aquí te nombramos al resto de nuestro top 5:

Oliver Heldens

Al igual que Martin Garrix, Heldens es un productor neerlandés de géneros como el Tech House and Future House. Es conocido también como HI-LO. Es nuestro segundo disc-jockey más popular.

David Ghetta

El tercer disc-jockey más popular en liderar esta lista. David Ghetta es el disc-jockey de la EDM y productor discográfico francés. Es uno de compositores más cotizados, lo que le ha permitido trabajar con una gran cantidad de artistas, entre ellos Rihana, Usher, y Justin Bieber.

Tiesto

En cuarto lugar ubicamos a DJ Tiesto, también oriundo de países bajos. En el año 2016 ganó el premio Edison Music Award, el Professional Career y el EMPO Awards 2016.

Steve Aoki

Para cerrar nuestra lista de los disc-jockeys más populares, tenemos a Steve Aoki, productor y DJ estadounidense. En la actualidad se encuentra en el puesto número 11 de la revista DJ Magazine.

Si quieres aportar algo en relación a nuestro top 5, comunícate a través de nuestra caja de comentarios que verás más abajo.

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